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ARTS CLASSIQUES

Le département des arts classiques

regroupe 25 classes d’étude : la clarinette, la flûte, la guitare, la guitare basse, l’orgue, le piano, les percussions, le saxophone, la trompette, le cor, le trombone, le tuba, l’alto, le violon, le violoncelle, le chant. Se rajoutent les chorales : pour adulte et pour enfant, la formation musicale, le jazz (théorie et pratique) ainsi que deux grandes formations (le grand orchestre et la grande harmonie), et les formations de chambre. Se rajoutent les classes de solfège, essentielles pour une bonne progression dans la pratique de l’instrument.

Les cycles

Les études musicales sont organisées en cycles qui sont définis par des objectifs propres.

Chacun d’eux constitue un ensemble cohérent d’acquisitions et de savoir- faire.

Ils délimitent  aussi les différentes étapes de la formation des musiciens et correspondent aux grandes phases des cursus scolaires.

Le passage d’un cycle à l’autre se fait sur examen et contrôle continu, l’évaluation à l’intérieur du cycle étant soumis au contrôle continu.

Préalablement, il existe des classes d’éveil musical. Ces classes consistent en des cours collectifs d’initiation et de sensibilisation à la musique.

Ces cours, d’une durée de 45 minutes,  sont ouverts, une fois par semaine,  aux enfants dès 5 ans.

Cursus

Le cursus des études Musicales est structuré en 3 cycles.

1er cycle : C’est le cycle des fondamentaux où les études instrumentales débutent de manière effective, ce qui permet à l’enfant de se familiariser avec son instrument et débuter la pratique collective.

2ème cycle : Cycle des approfondissements, il contribuera au développement artistique et musical personnel en favorisant une bonne ouverture culturelle, une appropriation d’un langage musical et l’acquisition des bases d’une pratique autonome, ainsi qu’une certaine pratique de la musique d’ensemble. Un premier diplôme, le B.E.M  (brevet d’Etudes Musicales), s’obtient à la fin de ce cycle.

3ème cycle : Ce cycle final doit permettre à l’élève d’acquérir une pratique autonome, des connaissances structurées, de s’intégrer dans le champ de la pratique musicale amateur ou de s’orienter vers la vie musicale professionnelle. Il y a au sein de ce 3ème cycle deux cursus différents :

  • Un cursus réservé à des futurs amateurs de haut niveau qui conduit au C.E.M (Certificat d’Etudes Musicales) ;
  • Un cursus spécialisé, auquel on accède sur concours, conduit au D.E.M (Diplôme d’Etudes Musicales) qui prépare à l’enseignement supérieur et à la vie professionnelle.

Le niveau de l’élève dans sa discipline « Dominante » ou « Principale » définira son appartenance à un cycle.

Cette discipline est généralement l’instrument mais peut parfois être aussi la formation musicale au niveau du 3ème cycle.

Les deux premiers cycles peuvent se faire entre 3 et 6 ans.

Le 3ème cycle C.E.M entre 1 et 3 ans.

Le 3ème cycle DEM entre 2 et 4 ans.

Un cycle de Perfectionnement qui s’adresse aux élèves titulaires du D.E.M, peut se faire sur demande formulée auprès de la direction.

Il existe des cursus spécifiques pour :

• les Adultes

• le département Chant

• le département Jazz

• le département Musiques Actuelles

Tous les cursus de la Section Classique : Cursus Classique

Renseignements Secrétariat : 40 50 14 14

Les départements instruments

• Département Clavier

Piano :
Dothy COLOMBARI
Isabelle DEBELLEIX
Samuel MAGOTT
Stéphane LECOUTRE
Anne LECHARD

Le piano, est apprécié pour sa grande palette de couleurs sonores, pour ses incomparables nuances expressives et pour ses innombrables possibilités polyphoniques (superposition de différentes lignes musicales ou de différents sons).  
La littérature pour piano est une des plus foisonnantes de la musique occidentale et comporte des chefs-d'oeuvres incontournables de notre civilisation (Sonates de Beethoven, Ballades de Chopin, Préludes de Debussy...).

Orgue :
Frédéric ROSSONI

L’orgue est le plus ancien des instruments à clavier ; le son y est produit par des tuyaux alimentés par une soufflerie. Pour les sons graves, l’orgue dispose d’un volumineux clavier que l’organiste joue avec les pieds : c’est le pédalier.
L’orgue, grâce à ses différents jeux, déploie une extraordinaire diversité de timbres. Sa sonorité peut être tour à tour d’une puissance fracassante ou d’une incomparable douceur.

Accompagnateur :
Isabelle DEBELLEIX

• Département cordes

Violon :
David BONNAVENTURE
Amandine CLEMENCET

Comme le violoncelle et l'alto, le violon est un instrument dont les cordes sont frottées par un archet ; c'est l'instrument le plus petit et le plus aigu de cette famille.
Le violon utilise de très nombreuses techniques de jeu permettant d'obtenir une large palette sonore et une grande puissance expressive. 
Le violon est probablement l'instrument le plus emblématique de la musique occidentale : il constitue le matériau essentiel de l'orchestre et bénéficie du plus large répertoire qui soit, comme soliste et à travers de multiples formations de musique de chambre.

Alto :
Corinne PROUST

L'alto fait partie de la famille des instruments à cordes frottées. Très proche du violon, il est légèrement plus grand, plus épais et plus grave.
L'alto occupe dans l'orchestre une place intermédiaire mais essentielle entre le chant des violons et les basses du violoncelle. 

Violoncelle :
Simon PILLARD

Instrument à cordes frottées qui possède la plus grande tessiture dans cette famille, ce qui le rapproche de la voix humaine.
Le répertoire est vaste, depuis son invention au XVIème siècle jusqu'aux compositeurs contemporains.

Guitare :
Didier MICHAUD

Les six cordes de la guitare classique sont directement pincées avec les doigts. La guitare est un instrument polyphonique (capable de faire entendre plusieurs sons simultanément).
Son répertoire couvre l'ensemble des époques et des styles de la Renaissance à l'époque contemporaine. 

• Département percussions

Percussions classiques :
Hans FAATAUIRA

Le percussionniste dispose d’une multitudes d’instruments : instruments en peaux, en métal, en bois, instruments à sons indéterminés ou à sons déterminés (comme le xylophone). Si les percussions dans la musique occidentale ont longtemps occupé une place secondaire et décorative, leur rôle s’est considérablement développé au XXème siècle, jusqu’à devenir parfaitement autonomes dans certaines œuvres comme « Ionisation » d’Edgar Varèse. 

• Département cuivres

Trompette :
Guillaume DOR

Instrument à vent de la famille des cuivres, la trompette impose dans l'orchestre sa sonorité brillante et conquérante.
Jusqu'au XIXème siècle, elle est dépourvue de piston ce qui limitait son jeu.
Le répertoire de la trompette est très vaste ; il couvre toutes les époques et tous les genres d'expressions musicales : classique, jazz, orchestre d'harmonie.

Trombone :
Jérôme DESCAMPS

Comme pour tous les instruments de la famille des cuivres, le son du trombone est produit par la vibration des lèvres. La coulisse remplace les pistons du tuba ou de la trompette, et par son allongement permet de passer d'une note à l'autre.  
Présent dès le moyen âge et pendant la renaissance, cet instrument est ensuite intégré à l'orchestre classique où il apporte sa note de solennité.

Tuba :
Sébastien VIGNALS

Le tuba est le plus grave des instruments de la famille des cuivres, toutefois, selon le type d'instrument - tuba basse ou euphonium - sa tessiture varie.
Le tuba est présent dans l'orchestre symphonique et l'orchestre d'harmonie auxquels il amène la profondeur de ses basses, mais des oeuvres originales lui sont aussi dédiées, comme le concerto de John William ou la sonate de Paul Hindemith.

• Département Bois

Flûte :
Christine GOYARD
Vaianu WALKER 
Fabrice CIMA

Instrument à vent de la famille des bois, la flûte traversière doit son nom à la façon dont on la tient : sur la droite et horizontalement. Pour produire le son, l'instrumentiste dirige un filet d'air sur le biseau de l'embouchure.
La flûte traversière est un des instruments à vent les plus virtuoses ; de nombreux concertos et sonates sont écrits pour elle, de l'époque baroque (concerti de Vivaldi) à l'époque contemporaine (sonate de Dutilleux).

Clarinette :
Léa PICQ

La clarinette est un instrument à vent de la famille des bois. Le son est produit  par une anche simple (languette de roseau) montée sur un bec.
L'usage de la clarinette se généralise à partir du XVIIIème siècle. Son répertoire, au sein de l'orchestre et comme instrument soliste, est riche et varié.

Saxophone :
Colin RAOULX
Fabrice CIMA

Bien que métallique, le saxophone appartient à la famille des bois ; c'est un instrument récent qui n'apparaît qu'au XIXème siècle.  
Sa présence dans l'orchestre symphonique est rare mais le saxophone, décliné en plusieurs tailles, donne lieu à de remarquables ensembles de musique de chambre. 
Il dispose d'un répertoire riche et original essentiellement produit au XXème siècle

• Département Chant

Chant :
Emmanuelle VIDAL

Ensembles et ateliers vocaux :
Emmanuelle VIDAL

Chœurs d’enfants :
Stéphane LECOUTRE 

• Département Musiques Actuelles

Ateliers de groupe :
Sébastien VIGNALS
Bruno DEMOUGEOT

Musique Assistée par Ordinateur :
Stéphane ROSSONI

Batterie :
Stéphane ROSSONI

Guitare Basse :
Frédéric ROSSONI

• Département Jazz

Piano :
Frédéric ROSSONI

Saxophone/Flûte :
Fabrice CIMA

Formation Musicale/arrangements :
Frédéric ROSSONI

• Département Formation Musicale

Formation Musicale :
Sandrine GICQUEL
Marianne MAYER
Sébastien VIGNALS
Fabrice CIMA 

• Histoire de la Musique 

• Département Eveil

Eveil Musical :
Jérôme DESCAMPS
Stéphane LECOUTRE

• Pratiques Collectives

Orchestre à cordes 1er cycle :
Amandine CLEMENCET 

Orchestre Symphonique 2ème et  3ème  cycles :
Fréderic ROSSONI
Simon PILLARD 

Orchestre d’harmonie 1er cycle :
Sébastien VIGNALS

Orchestre d’harmonie 2ème  et 3ème cycles :
Colin RAOULX

Big Band :
Frédéric ROSSONI 

Ensembles de flûtes :
Christine GOYARD

Ensemble de clarinettes :
Léa PICQ

Ensemble de violoncelles :
Simon PILLARD

Ensemble de cuivres :
Guillaume DOR

Musique de Chambre :
Simon Pillard
Guillaume DOR

La famille des cordes

Premier instrument cité dans la noble famille des cordes, le violon se distingue par son élégance extrême.

Sa forme n’a d’ailleurs pas varié depuis 250 ans, tant elle est “fonctionnelle” et parfaitement adaptée à son but. Il aura néanmoins fallu la longue histoire des vièles - puis des violes - pour arriver à une forme aussi parfaite.

La longueur des instruments de la famille des cordes est d’ailleurs déterminée par la longueur du bras de l’enfant (violon – alto ou violoncelle). Il existe donc des instruments de dimensions réduites qui évoluent avec la taille des enfants.

Homogénéité dans le jeu

La famille des cordes (violon – alto – violoncelle et contrebasse) est d’une très grande homogénéité pour la pratique :

  • une même façon de produire le son avec un archet,
  • une même manière de le faire vibrer,
  • les même principes de construction des instruments.

Ces qualités de cohésion, comme les riches possibilités expressives de ces instruments devraient naturellement tenter les compositeurs tels : Mozart, Shubert, Beethoven, Vivaldi, Bach, etc…

L’enseignement de ces quatre instruments à cordes frottées demande les mêmes exigences pour l’apprentissage et la maîtrise de l’instrument. La scolarité se suit par cycle au sein des écoles nationales (E.N.) ou Conservatoires.

Méthodologie

Pour progresser vite et sûrement, il faut n’aborder qu’une difficulté à la fois. C’est en application de ce précepte pédagogique que sont conçus les principaux ouvrages pour l’apprentissage du violon. Il faut amener l’élève par une lente progression, à la possession d’une bonne technique qui lui permettra par la suite de pratiquer avec fruit, l’étude des remarquables ouvrages dont la bibliothèque du quatuor à cordes est si riche.

Il faut par contre bien entendre l’importance, pour l’enfant, de choisir par lui-même son instrument : l’apprentissage en sera plus aisé !

Il faut que les professeurs sachent faire aimer leur instrument par l’écoute, par des démonstrations sonores et techniques à travers divers œuvres.
Le suivi parental occupera évidemment une place importante et déterminera la réussite et le développement musicale de l’enfant.

Les compétences à acquérir par cycle

Cliquez pour agrandirPREMIERE ANNEE

LES PRINCIPES DE TENUE

  • positionnement de l’instrument (Main gauche) et de l’archet (Main droite). Il n’existe pas de gauchers (instruments inversés) car les violonistes ou violoncellistes sont ambidextres et les deux mains ont la même importance et doivent arriver à la même virtuosité.
  • Recherche de la justesse
  • Propreté de l’archet (du son)
  • Propreté et respect du rythme

TRAVAIL PERSONNEL

Il est primordial que les parents ou la personne qui s’occupe de l’enfant, assistent aux leçons. Ainsi durant la semaine, l’enfant travaillera dans le sens indiqué par le professeur sans perdre de temps.

Le temps de travail peut varier selon l’âge de l’enfant, mais ne doit pas être inférieur à 15 mn par jour pour l’apprentissage. Avant 7 ans, un enfant présente généralement des difficultés à se concentrer plus d’une demi-heure et il est souvent préférable de fragmenter le travail (15 mn pour la main droite, 15 mn pour la main gauche).

Dès le moindre signe de fatigue, il vaut mieux s’arrêter puis reprendre plus tard.

PRÉPARATION À LA TENUE DE L’ARCHET

  • La tenue du violon – le coussin
  • Position de l’archet sur la corde (petits fragments)
  • Changement de corde
  • Position de la main gauche = 1e et 2ème doigts
  • Récréation = “Chants populaires”
  • Division de l’archet

Pour éviter toute raideur du bras, jouer au milieu vers la pointe avec un son bien soutenu et on peut varier la vitesse de l’archet quant on obtient un archet bien droit et un son très pur.
La position est déterminante pour la progression de l’enfant. Aucune contraction, aucune raideur.

SECONDE ANNEE

CONNAISSANCE DES DOUBLES CORDES

Mise en pratique de la 1ère année en essayant d’obtenir plus d’assurance aux niveaux des positions main gauche – main droite et on allonge progressivement l’archet en conservant un son pur qui doit devenir plus puissant grâce à une augmentation de la pression des doigts sur l’archet.

Toujours insister sur la maîtrise en 1ère position des doigtés et de l’archet.

CHANTS POPULAIRES et petites pièces classiques pour valoriser les efforts et progrès des enfants.

Nous insisterons et étofferons le premier cycle et aborderons la dextérité, les réflexes et la rapidité d’exécution à travers des exercices appropriés tels que les gamins, le travail des positions et d’archet pour obtenir vélocité et souplesse.

On commence à aborder les 1er concertos pour violons avec écoute bien entendu (Vivaldi, Sonate de Haëndel et concertos de Rieding).

La participation aux orchestres des Cadets apporte un plus à la stimulation instrumentale et au partage des sensibilités musicales.

Il faudrait 2 séquences de 30 minutes de travail quotidien pour progresser et commencer à se faire plaisir pour exécuter certaines œuvres du répertoire violonistique.

Insister sur la technique d’archet car il est nécessaire de considérer le rôle de la main droite vis-à-vis de la main gauche comme celui de l’âme vis-à-vis du corps.

La justesse et la précision du mécanisme de la main gauche sont l’équivalent de l’équilibre physique dans le corps humain. Concertos Vivaldi ou Bach – Haëndel – Kreisler – Sitt (Approfondissement du vibrato et de l’interprétation).

RECOMMANDATIONS

Il faudrait arriver à 1 heure minimum de “travail sérieux” par jour.

Le système de gammes peut servir aussi bien comme exercice d’introduction que comme exercice de vélocité. Dans le premier cas, il doit être joué lentement en corrigeant chaque fausse note, dans le second cas une vitesse, appropriée au mécanisme individuel, est de mise. Pour que ce soit efficace, la tonalité doit être changée tous les jours.

On aborde les études techniques comme MAZAS – KREUTZER - RODE et les partitas et sonates de J.S BACH deviennent la bible du violoniste car elles exigent de la justesse, de la précision dans l’interprétation et la maîtrise des positions.

Quoiqu’il en soit les parents et professeurs devraient s’efforcer de motiver l’enfant de manière à ce qu’il prenne plaisir à pratiquer correctement son instrument.

L’enfant doit écouter de la Musique chaque jour afin de développer sa sensibilité musicale les progrès rapides dépendent de son audition.

SUR L’HABILITÉ MUSICALE

L’habilité musicale peut être cultivée chez n’importe quel enfant, ce n’est pas un talent inné mais une habilité qui peut être développée. La manière de travailler est primordiale. La plupart des élèves se figurent qu’il suffit de travailler beaucoup pour obtenir un bon résultat, c’est une grave erreur. La qualité du travail importe infiniment plus que la quantité. Nous ne pouvons donc assez recommander aux élèves d’étudier d’une façon réfléchie, lentement, posément et sans nervosité.

Le violon est non seulement un instrument de virtuose, mais aussi et surtout le confident de notre âme assoiffée d’idéal.

La flûte traversière

Historique

La flûte traversière est un instrument à vent de la famille des bois.

Les premières flûtes sont apparues il y a plusieurs milliers d’années et furent intégrées à tous les évènements de la vie humaine depuis la plus haute antiquité.

Durant sa longue histoire, cet instrument a beaucoup évolué et s’intègre aujourd’hui à tous les styles de musique - classique, jazz, pop - en se mêlant à toutes sortes de sonorités instrumentales.

Construite aujourd’hui en métal (Maillechort, argent, or), elle comporte trois parties démontables : l’embouchure, le corps, la patte et est transportable comme un sac à main et facile à nettoyer.

Sa longueur totale est de 67 cm pour un poids variant de 400 gr (maillechort) à 600 gr (or 18 carats).

Famille

  • La flûte en ut est la plus utilisée car possédant un son peu puissant mais perçant couvrant plus de 3 octaves.
  • Le piccolo (fifre) de très petite taille, sonne 1 octave au-dessus et s’utilise fréquemment en formations de type militaire.
  • La flûte alto : réplique agrandi de la flûte en ut est claire et plus grave à la sonorité feutrée pour laquelle le répertoire est essentiellement contemporain.
  • La flûte basse : sonorité plus faible et plus grave.

Techniques et compétences à acquérir par cycle

Début axé sur la tenue de l’embouchure, l’émission du son.
Puis rapidement : apprentissage des doigtés avec l’instrument entier.
BUT : arriver à jouer quelques morceaux de circonstances (fêtes de fin d’année, familiales, etc…) des mélodies simples et reconnaissables par tous.
Apprendre à écouter, lire et mémoriser la musique.

  • Travail de la sonorité, ainsi que de la dextérité, les réflexes, la rapidité de l’éxécutant avec des exercices appropriés : gammes vocalises arpèges études.
  • Beaucoup de travail avec support sonore : K7, CD… visant “à affiner” le sens du rythme.
  • Rajout du déchiffrage (lecture à vue).
  • Découverte de certaines œuvres incontournables.
  • On multiplie les occasions de se produire en public, de préférence en groupe (stimulant pour 1 instrument monodique. Participation à l’organisation d’auditions).

Les compétences techniques du flûtiste lui permettent d’interpréter la musique, de communiquer une émotion, de créer une ambiance.

On joue désormais des œuvres du répertoire, incluant plus de 4 siècles de mélodies écrites pour l’instrument. Travail approfondit de traits d’orchestre également, de grands solos de concerts. L’élève apprend à devenir beaucoup plus autonome et responsable.

Conseils pratiques

Pour débuter la flûte aisément, comme pour n’importe quel instrument à vent :

  • il faut attendre d’être physiquement apte à tenir dans une position relativement fatigante 500 gr à bout de bras, tout en apprenant à gérer son souffle ;
  • il faut avoir une bonne faculté d’écoute : pour pouvoir corriger la justesse d’un son que l’on crée de toutes pièces ;
  • il faut acquérir de solides connaissances au niveau de la lecture des notes et de la lecture rythmique : nous jouons vite et souvent dans les suraigus. La clé de sol est la seule lue, mais utilisation précoce de beaucoup de rythmes qui seront maîtrisés bien plus tard en solfège ;
  • il est important de s’équiper d’un pupitre et d’un métronome ;
  • la pose d’un appareil dentaire peut considérablement altérer la qualité du son.

Travail : les recommandations aux élèves

  • CYCLE 1 : on passe de 20 mn en 2 x 10 par jour.
  • Les premières semaines à 30 mn dès la fin du 1er semestre.
  • CYCLE 2 : 45 mn souhaitables par jour.
  • CYCLE 3 : au delà d’1 heure – 1h30 minimum.

Le saxophone

Historique

C’est en 1842 que Monsieur Adolphe SAXE invente le saxophone qui sera par ailleurs une des dernières inventions instrumentales du XIX ème siècle.

Instrument hybride, il est classé dans la famille des bois en raison de l’utilisation d’un bec avec une anche au même titre que la clarinette.

Ayant principalement été utilisé à ses débuts dans les musiques militaires, ce n’est que vers 1920 que le jazz lui donna ses lettres de noblesse.

Instrument à la sonorité très diverses, il est aujourd’hui utilisé dans tous les styles de musique (classique, jazz variété).

Famille d’instruments

La famille du saxophone est composé des saxophone sopranino, saxophone soprano, saxophone alto, saxophone ténor, saxophone baryton, saxophone basse, saxophone contrebasse.

Les plus courants sont les saxophones alto et ténor.

Jouer du saxophone

Le saxophone se compose de trois parties : Le corps, le bocal et le bec.
Le bec est muni d’une anche qui, sous la pression de l’air la fera vibrer et produira un son. 
Il faut cependant noter que le saxophone ne demande pas beaucoup d’air, mais seulement une pression suffisante pour obtenir un son. De par sa sonorité sensuelle, l’apprentissage du saxophone est bien sûr ouvert aux filles.

Compétences à acquérir

  • Comme tout instrument à vent, la compréhension de la colonne d’air est indispensable à la sonorité ;
  • Travail du son ;
  • Connaissance totale des doigtés de l’instrument ;
  • Acquisition des 2 octaves 1/2 de l’instrument.
  • Enrichissement du son ;
  • Développement de la vélocité pour des exercices techniques et des gammes ;
  • Apprentissage du vibrato en fin de cycle ;
  • Travail de duo, trio et approche du quatuor en fin de cycle.
  • Maîtrise des 2 premiers cycle et recherche de la personnalisation du son ;
  • Approche du jazz par des thèmes et improvisation ;
  • Approche de la musique contemporaine ;
  • Classe de déchiffrage ;
  • Travail du ruraigu.
  • Etude de concertos et traits d’orchestre ;
  • Maîtrise technique et sonore de l’instrument.

La trompette

Historique

Instrument à vent de la famille des cuivres, la trompette est un instrument très ancien puisqu’il est attesté que son existence remonte aux temps préhistoriques !

On la retrouvera sous différentes appellations aux quatre coins du monde dans de nombreuses civilisations.

Son rôle sera principalement militaire (utilisée à la guerre pour transmettre les ordres) jusqu’au XVIème siècle, mais aussi religieux : les pères de l’Eglise ont pris le son de la trompette pour symbole de la voix des anges ou même de Dieu.

L’accès de la trompette à la musique de concert se situera au XVII ème siècle avec de célèbres compositeurs tels que Monteverdi, Bach, Lully, Haendel.

Grâce à la richesse de son timbre, la trompette aura bien souvent un rôle primordial dans les différentes partitions d’orchestre dites « classiques ». Ayant un large éventail d’emploi, on retrouvera également la trompette dans les orchestres d’harmonies, les musiques militaires, les orchestres de jazz et de variétés.

Aucun autre instrument de musique que la trompette n’a autant évolué : tuba romaine, puis trompette naturelle baroque, trompette à clefs, à coulisse, et enfin, à pistons ou à palettes !

La famille des trompettes

Cette famille comprend : la trompette piccolo, la trompette en mi b, la trompette en ut, la trompette en si b, le cornet à pistons, la trompette basse. Le bugle –qui fait parti de la famille des saxhorns- est joué par le trompettiste.

La trompette se compose de plusieurs parties : le pavillon, le corps principal avec ses trois pistons et l’embouchure.

La production du son se fera par la vibration des lèvres et de l’air soufflé dans l’embouchure.
La dentition du trompettiste tient un rôle essentiel : il est nécessaire d’avoir ses dents définitives pour jouer de la trompette !! On peut toujours commencer avec ses dents de lait mais il y aura une interruption lors de la perte de ces dernières le temps qu’elles repoussent, l’embouchure reposant sur les dents.
L’age minimum : 7 / 8 ans
Le son de la trompette étant produit par les lèvres, donc un muscle, la trompette demandera un entraînement régulier pour pouvoir progresser (les trompettistes sont des sportifs de la musique !)

Compétences à acquérir par cycles

Cycle 1 :

Apprentissage de l’émission du son et de la « colonne d’air », posséder une octave et demi (1ere année). Travail quotidien de 15 minutes pour la première année.

Cycle 2 :

Plus de technique, augmentation du volume et du temps quotidien de travail, augmentation de la tessiture travail d’orchestre petite harmonie et harmonie. Travail quotidien : au moins 30 minutes !

Cycle 3 :

Travail de musicalité, technique, pièces de concours et concerto, jouer en soliste, être beaucoup plus autonome, travail d’orchestre symphonique et harmonie.
Travail quotidien :1 h à 1h30 minimum !

Conseils pratiques

Travailler toujours debout (acheter un pupitre !), se laver les dents si on vient de manger avant de souffler dans la trompette !

Savoir que la pose d’un appareil dentaire, en particulier des bagues, n’est pas compatible pour jouer de la trompette !

Travailler régulièrement est très important pour la progression. 

La trompette n’est pas réservée qu’aux garçons !!

Dans le cadre d’un achat d’instrument consulter le professeur.

Le trombone

Historique de l’instrument

Vers le XIIIème siècle, un astucieux fabricant de trompettes eut l’idée de faire entrer l’un dans l’autre les tubes de son instrument. Allongeant et raccourcissant ainsi la longueur du tube, il obtint un jeu chromatique. La “saqueboute” était née. Ce mot nous vient des verbes de l’époque « Saquer » et « Bouter », qui signifiaient Tirer et Pousser en relation au geste du bras et de la coulisse.

La saqueboute ne différait guère de notre Trombone actuel si l’on se réfère aux nombreuses représentations de tableaux.

Sa sonorité pouvait être très douce (cet instrument doublait les voix dans les chants religieux) ou très forte (il participait également aux fêtes populaires).

De MONTEVERDI à RAVEL, le Trombone jouera un rôle essentiel dans l’évolution de l’orchestre symphonique. Parallèlement utilisé dans les Fanfares militaires ou populaires (Harmonies), il verra ses dimensions se développer au fil des siècles.

Tous les musiciens contemporains, en particulier BERIO, XENAKIS, CAGE et APERGHIS, par des effets de sourdines, de notes chantées et jouées en même temps, font du Trombone un instrument vivant.

Le jazz enfin a fait évoluer la technique d’une manière extraordinaire, du New Orleans au Jazz contemporain, il y joue un rôle prédominant.
Certains virtuoses actuels démontrent qu’il n’y a pratiquement pas de limites dans l’écriture d’une partie confiée au trombone.

Technique

Le trombone est composé de trois parties : l’embouchure, la coulisse et le pavillon.

C’est la vibration des lèvres par l’air qui produira le son.
La hauteur du son sera déterminée par le pincement des lèvres et le positionnement de la coulisse. L’intensité du son sera déterminée par la vitesse de l’air. L’attaque du son se fait à l’aide de la langue.

Il existe trois sortes de Trombones : Le Trombone Basse (le plus grave), le Trombone Ténor et le Trombone Alto (le plus aigu).
Le trombone ténor étant le plus développé, c’est celui-ci que l’on étudie au conservatoire.

Instrument grave, il se lit en clé de Fa. Sa tessiture est immense, elle varie selon la technique de chaque instrumentiste. Un tromboniste professionnel possède au minimum 3 octaves et demie.

Généralités

L’apprentissage du Trombone est accessible aux enfants dès 7 ans. Les filles sont tout aussi capables d’en jouer que les garçons, ce n’est pas un instrument qui nécessite “beaucoup de souffle” comme on peut le penser.

Il est essentiel dès la première année de fournir un travail personnel régulier d’environ 15 minutes par jour. L’émission du son se faisant à l’aide des muscles des lèvres, il est important d’échauffer, d’entretenir et de développer quotidiennement ces muscles.

Pas à Pas

L’apprentissage de l’instrument se fera tout au rythme de l’enfant, avec pour objectif d’obtenir au plus tôt la maîtrise de l’entretien et la beauté du son.

Un travail important également dès la première année sur la position du corps et la compréhension de la colonne d’air (manière d’inspirer et d’expirer l’air).

Au fil des ans, les musicien augmentera le registre de sa tessiture. A la fin de la première année, il possèdera une octave et demie sur son instrument lui permettant de jouer quelques petits airs.

Les rythmes utilisés dans les partitions seront en lien avec le niveau solfégique de l’élève. Il sera ainsi possible de débuter le trombone en même temps que le solfège.

De l’élève au musicien

De la musique ancienne à la musique contemporaine, de l’Orchestre Symphonique à la musique de chambre, du Cirque au Jazz, de la Salsa au Reggae, en passant par les Fanfares, le Trombone est sollicité dans bon nombre de styles musicaux.

Le tromboniste a donc un champ d’action musical très important.

L’un des principaux objectifs sera d’inclure au plus tôt l’élève au sein de petites, moyennes ou grandes formations, le trombone étant un instrument principalement axé sur la musique d’ensemble. Ce sera l’une des motivations de l’enfant, il y sera mis en valeur.

C’est une des manières d’accéder au cœur du plaisir de la musique. L’enfant s’y développera intellectuellement, humainement et artistiquement.

Le tuba

Instrument de la famille des cuivres

Pouvant avoir trois, quatre ou cinq pistons, le Tuba est un instrument à vocation grave, mais qui peut toutefois évoluer dans un rôle polyvalent dans un orchestre - soit un rôle accompagnateur, dans le grave, soit alors pour jouer des thèmes ou des contre-chants.

Cette polyvalence permet aussi de faire évoluer dans de multiples formations telles que l'orchestre d'harmonie, l'orchestre symphonique, la formation jazz-band, la fanfare, l'ensemble de cuivres qu'il soit en trio, quartet, quintette... ou encore dans la variété ou le rock ou le reggae en section cuivres.

C'est un instrument qui offre une grande palette de choix dans le style et la formation que souhaite incorporer un tubiste.

L'apprentissage du tuba

Un élève débutant doit d'abord se familiariser avec son embouchure, élément primordial dans la naissance d'un son, car c'est ce qui permet de sortir un son par l'envoi d'air et la vibration des lèvres. Des gestes de bouche bien précis sont donc à travailler.

Il faut aussi apprendre à gérer la colonne d'air et à bien respirer. Les pistons de part leur facilités d'usage permettent rapidement de jouer plusieurs notes, donc des mélodies.

L'élève doit donc mémoriser quelques combinaisons de pistons auxquelles il doit concilier différentes pressions de lèvres et d'air. Un travail sur les gammes diatoniques dans un premier temps, puis chromatiques dans un second temps permet une bonne familiarisation avec cet aspect de l'instrument.

Progression des études

Il faut alors étoffer et améliorer tous les gestes appris étant débutant ; acquérir une bonne dextérité avec ses pistons. Augmenter sa tessiture grave, aigu. Essayer d'atteindre un son de plus en plus fin (sans défauts).

L'élève doit au fur et à mesure qu'il avance dans ses études apprendre à s'écouter pour s'autocritiquer (notamment quand il est seul, lors de son travail personnel). Il est bien évident que le temps de travail personnel augmente avec le niveau de l'instrumentiste. La notion d'endurance est aussi à prendre en compte dans la progression.

Le piano

Historique

Descendant direct du piano forte qui vit le jour en1711, le piano se développa très rapidement au XIXème siècle pour arriver aux formes et fonctionnalités que nous connaissons aujourd’hui.

Instrument complet par excellence, soliste et accompagnateur souvent comparé à un grand orchestre, cet instrument attire par sa diversité et ses capacités un grand nombre de musiciens, de compositeurs… et d’élèves.

Toutefois, la difficulté du piano est liée à la lecture de deux clés différentes, et à l’acquisition d’une technique ambidextre sans équivoque.

A l’heure actuelle, il est un des instruments le plus solicité du public.

Compétences à acquérir par cycles

  • Développer la motivation, l’intérêt et la curiosité pour le jeu musical.
  • Approche intellectuelle : Apprentissage du vocabulaire spécifique de la partition pour la décrypter (lecture verticale des 2 clés du piano signes musicaux)
  • Approche sensorielle : Ecoute, formation de l’oreille harmonique et mélodique.
  • Approche corporelle : Coordination et indépendance des mains, gestuelle liée au phrasé, souplesse.

Approfondissement et maîtrise des acquis du 1er cycle

  • développement d’une méthode de travail personnelle.
  • aisance de la lecture et du déchiffrage.
  • favoriser l’accès des élèves à une autonomie musicale.
  • élargissement du répertoire pianistique (approche des différents styles).

Maîtrise de l’interprétation et de la technique propre à chaque compositeur (son époque, son style, son écriture).
Approfondissement de la connaissance du répertoire, (extension à tous les styles et toutes les époques).
Approche de la musique d’ensemble (musique de chambre, 2 pianos, orchestre…).

  • posséder un piano acoustique chez soi, en bon état de fonctionnement.
  • refaire et poursuivre le travail effectué avec le professeur, et noté sur le cahier de cours.
  • la pratique doit être quotidienne.
  • écouter régulièrement de la musique (classique, jazz, traditionnelle) sous forme de disques et en allant aux concerts et différentes manifestations musicales.
  • les parents doivent rencontrer le professeur chaque mois, et correspondre par le biais du carnet de correspondance.
  • la participation la classe de déchiffrage est obligatoire à partir de M2 sous forme d’une heure de cours par semaine avec un professeur.
    (Il est conseillé aux élèves de déchiffrer le plus souvent possible chez eux à partir du 2ème cycle).

Obligation de travail

Pour tous les élèves, quel que soit le niveau, seul le travail quotidien est réellement efficace et garant d’une progression harmonieuse.
Les parents doivent y veiller.

Temps de travail quotidien demandé

  • 1er cycle : 30 à 45 minutes par jour
  • 2ème cycle : 45 mn à 1 heure par jour
  • 3ème cycle : minimum 2 heures par jour

L'orgue

Historique

De l’Hydraule du Vème siècle avant JC à l’orgue à tuyaux contemporain, si les techniques ont évolués dans le temps, le principe demeure inchangé ; l’air fourni par la pression de l’eau ou le vent que produit le soufflet alimenté à la force des bras et des jambes ou par un ventilateur électrique fait vibrer le tuyau pour donner des son.

Et les sons changent en fonction de la hauteur, de la matière et du type de tuyaux que nous divisons en plusieurs familles “à bouche ou à anches” : les jeux de fonds, de montres ou principaux, de mutations, de mixtures, de anches et les jeux ondulants et harmoniques.

L’orgue numérique, afin de permettre l’accès à des instruments plus ou moins importants - un, deux ou trois claviers - pour des particuliers ou des églises moins fortunés, ce sont les sonorités des orgues à tuyaux sans les tuyaux (pas d’encombrement, facilité de transport et moindre coût à l’entretien).

Ici chaque tuyau d’un ou plusieurs orgues nordiques (Pays-Bas ou Allemagne) a été enregistré numériquement et mis en mémoire.

L’orgue numérique AHLBORN du Conservatoire possède 27 jeux répartis sur 2 claviers et un pédalier ce qui représente une capacité d’environ 1.500 tuyaux d’orgue.

Le Jazz

Présentation

La classe de jazz s'adresse en priorité à des personnes ayant déjà une certaine maîtrise instrumentale – quatre ou cinq ans d'instruments - ainsi qu'une connaissance suffisante du solfège. Une habitude d'écoute, un minimum de culture musicale dans ce domaine sont plus que recommandés.

Cette discipline est ouverte aux adultes et aux adolescents à partir de 17 ans, tous instruments confondus. Son objectif est l'initiation au monde musicale du jazz. En effet celui-ci diffère essentiellement de l'univers de la musique dite "classique" par le fait que le musicien ne joue pas une partition pré-écrite, il n'est pas interprète mais doit improviser et faire preuve de créativité aussi bien dans l'exposé d'un thème, que dans l'accompagnement ou l'improvisation proprement dite.

Différentes phases

Différentes phases sont donc à envisager dans la formation de l'élève : l'aspect théorique est très important et sera omniprésent pendant les cours, le côté abstrait de la chose peut rebuter les personnes qui ne voient dans le jazz que la facette ludique et récréative. Jazz étant pour certain synonyme de liberté. Une liberté qui a néanmoins ses lois. Lois harmoniques, formelles, stylistiques, autant de matières à travailler. La classe de jazz est donc avant tout une préparation à la compréhension d'un texte avec beaucoup d'analyses harmonique, y compris de morceaux classiques car, n'en déplaise à certains, les lois de la tonalité classique ne différent pas de celles du jazz, le langage harmonique est le même, seul le style varie. On étudiera beaucoup de relevés de solos de différents instruments afin de mettre à jour les tournures mélodiques et rythmiques.

La lecture de grilles avec les chiffrages internationaux devra être maîtrisée : travail d'accompagnement de pianistes, guitaristes et bassistes (travail particulier du "walking" pour la basse), travail d'improvisation pour les solistes.

Le cursus est organisé en deux cycles :

  • cycle I, initiation (deux années)
  • cycle II, perfectionnement (deux ans), avec un accent sur l'écriture : initiation à l'arrangement, la composition etc.

Un examen sanctionne les passages de cycle.

La clarinette

Présentation

La clarinette est un instrument à vent de la famille des bois à anche simple. Elle a été créée vers 1700 par Johann Christophe Denner , en Allemagne,  sur la base d'un instrument à anche simple plus ancien : le « chalumeau ». La clarinette en si  (ou B  en anglais) en est le modèle le plus commun.

Son timbre chaud dans le registre grave, peut s'avérer extrêmement brillant voire agressif dans l'aigu.

Famille

De tous les instruments à vent, elle est celle qui possède la plus grande   tessiture avec 3 octaves et demie soit 45 notes en tout. Elle se décline en une famille d'instruments, depuis la clarinette contrebasse, jusqu'à la clarinette sopranino, couvrant ainsi toute l'étendue d'un orchestre symphonique. Elle a une place très importante dans les orchestres d’harmonie.

Jouer de la clarinette

Le son est produit à partir du bec sur lequel est adaptée une fine languette de roseau : l’anche, que l’instrumentiste met en vibration en soufflant.

Il est nécessaire de posséder une dentition complète (notamment sur l’avant de la mâchoire) pour maintenir correctement l’embouchure.

On peut débuter l’apprentissage de la clarinette à tout âge mais l’âge idéal est entre 8 ans et 12 ans. Cependant tout adulte motivé peut commencer l’étude de la clarinette. 
L’idéal est de travailler l’instrument 20minutes par jour dès la première année, pour y consacrer plus de temps par la suite.

Dès la 2ème année d’apprentissage, en accord avec la famille et le professeur, l’enfant peut participer à un ensemble de clarinettes. Il y apprendra à s’écouter, à écouter les autres, à suivre une mesure et à se discipliner.

Répertoire

Tous les genres de musique sont accessibles à la clarinette, du classique (Mozart, Weber…)au contemporain (Stravinsky, Denisov…) avec un détour par la musique de jazz (blues…)

Progression

Pour tous les cycles, elle comporte les mêmes chapitres, avec des exigences de plus en plus pointues à mesure que l’on avance dans l’étude de l’instrument.

Les principaux critères :

  • la posture :
    • le corps : stabilité des jambes et du corps, tenue de l’instrument
    • l’embouchure : maîtrise du bec
  • la technique :
    • la respiration
    • colonne d’air, pression de l’air
    • technique des doigts
    • synchronisation langue-doigts
    • travail du chromatisme
    • travail des gammes
  • la musicalité
    • respect du texte musical : les notes, les rythmes, le tempo, les nuances
  • Engagement musical : pratique collective
  • L’élève peut proposer des pièces qu’il a envie de jouer

Les percussions

Présentation

L'enseignement de la percussion est un vaste domaine regroupant toutes les percussions de l'orchestre symphonique (timbales, vibraphone, xylophone et diverses petites percussions...) comme celui de la batterie qui est entré au sein des conservatoires ces dix dernières années de manière officielle avec ses propres cursus.

L'élève au fur et à mesure des années parcourra l'ensemble des percussions en fonction des cycles, les bases restant la technique de la caisse claire.

Les bases

  • Roulé
  • Moulin
  • Volant
  • Régularité
  • Premiers rythmes
  • Mise en place avec CD / Musique


Accélération des exercices de volonté, roulé, moulin, volant (musique, répétition par 3,4et 5... avec CD) intensité des coups et début de constructions personnelles (fill). Indépendance et coordination.

Approfondissement et perfectionnement de toutes les bases du cycle 2 / importance de la "personnalisation" du jeu (batterie). Prestation en formation réelle.

Conseils pratiques

  • Posséder un instrument : au minimum 1 caisse claire + grosse caisse + pédale charleston.
  • Pièce isolée si possible.
  • Possibilité de batterie électronique (déconseillé pour les premières années).
  • La progression est fonction du temps de travail, peu mais souvent est préférable à longtemps et rarement !!

Conseils pour la souplesse des poignets

  • Cycle 1 : 10 minutes / jour
  • Cycle 2 : 30 minutes / jour
  • Cycle 3 : 60 minutes et plus si possible.

La guitare classique

La guitare et ses charmes, son jeu, ses différentes formes, son évolution recueillent les faveurs du public. Musique populaire, musique de Cour, musique folklorique ou bien encore jazz, rock, flamenco, bossa nova : cette fascination a traversé les siècles avec bonheur.

Dans la famille des instruments à corde, la guitare fait partie, comme la harpe, des instruments dits « à cordes pincées. »

Historique

L’origine de la guitare remonte à l’antiquité : son nom pourrait provenir du mot perse kitar. La mythologie mentionne la lyre d'Hermes, constituée d'une carapace de tortue et d'une corne de chèvre sur lesquelles étaient fixés des boyaux de mouton. Cette description convient également à un instrument de fabrication Hittite (1350 av. JC). Cependant, c'est en Chine qu'on trouve les vestiges d'un instrument à cordes possédant tous les éléments des instruments modernes; le Yuan (IIIème ou IVème siècle av. JC) possédant une table, un fond et des éclisses.

L'origine de la guitare classique est indissociable de celle relative à une variété de cordophones qui se sont développés à la fin du Moyen Âge en Espagne sous le terme de vihuela duquel émerge celui de vihuela de mano. La description la plus ancienne de l'instrument est donnée par le théoricien Johannes Tinctoris (1445-1511) dans un ouvrage publié vers 1480, De inventione et usu musicae. Il est à noter que Tinctoris cite également le nom de « guitare » en lui attribuant une origine catalane.

Alors que le luth rencontre un succès général dans le reste de l'Europe, l'Espagne lui préfère la vihuela : aucune musique pour le luth n'est publiée tandis qu'un répertoire de musique savante pour la vihuela s'enrichit et se diffuse grâce à l'impression de plusieurs recueils.

Tantôt délaissée, comme au début du XVIIIe siècle, tantôt au goût du jour, dès le milieu du XVIIe siècle et au début du XIXe siècle, la guitare séduit les luthiers qui n'ont de cesse d'améliorer sa facture, les musiciens qui perfectionnent leur technique de jeu, et un public qui devient de plus en plus nombreux à l'écouter, et à la pratiquer en amateur.

L’instrument

La guitare classique est constituée d'une caisse de résonance faite d'une table d'harmonie en bois tendre (épicéa ou cèdre en général), d'éclisses, d'un fond en bois dur (palissandre, acajou, érable,...) et d'un manche (en acajou ou cèdre) portant une touche (en palissandre ou ébène) frettée. Sur les instruments de qualité, les bois sont massifs et le choix des essences utilisées et des différents paramètres de construction a un fort impact sur la sonorité. Sur les instruments de bas de gamme, la caisse de résonance voire même la table d'harmonie peut être en contre-plaqué, et leur construction est standardisée pour une production de masse ;

En général, elle possède six cordes nouées sur un chevalet collé sur la table d'harmonie. Cependant, certaines guitares classiques ont sept cordes ou plus, afin d'en élargir la tessiture vers les notes basses et renforcer les harmoniques. Ces instruments permettent de jouer la musique ancienne écrite pour des luths à plus de six cordes ou bien des pièces modernes écrites spécifiquement pour ces instruments ;

Histoire récente

Dés la fin du XVIème siècle, les compositeurs écrivent une littérature riche et variée pour la guitare. On remarque, fin XVIIème siècle, les pièces de Robert de Visée. Fin XVIIIème siècle, la guitare est dotée de six cordes. C’est la guitare classique que nous connassons aujourd’hui.

Le XIXème siècle sera illuminé des œuvres pour soliste et musique de chambre de Fernando Sor, « le Beethoven de la guitare », Mauro Giulani et Francisco Tàrrega, entre autres.

Enfin, durant le XXème siècle, les compositeurs comme Villa Lobos, Léo Brouwer, Maurice Ohana s’illustreront et mettront en valeur les richesses sonores et expressives de cet instrument.

Les études

On peut débuter la guitare dés l’age de 7/8 ans. L’enseignement de cet instrument est centré principalement sur le répertoire de la guitare classique, qui se joue en solo ou bien en formations de musique de chambre (duos, trois, quatuors). La guitare peut également être le partenaire d’autres instruments (flûte, violon).

Une pratique quotidienne de l’instrument est nécessaire.

Renseignements pratiques

Consulter le professeur avant de louer ou acheter un instrument. Plusieurs tailles de guitares existent en étant adaptées à l’âge des enfants.

 

Sources : Wikipediacité de la musique

La basse électrique

La classe de basse électrique (4 cordes) s'adresse plus particulièrement aux adolescents (à partir de 15 ans) et aux adultes. Tous les styles sont abordés (classique, variétés, rock, latin, jazz, funk, etc.). La basse étant un instrument d'accompagnement - elle est le pilier du moteur rythmique d'un orchestre avec la batterie - la plupart des morceaux sont travaillés avec un support audio (CD ou piano).

On travaille à partir de partitions mais la notation en grilles (chiffrage international)est également abordée.

Suivant le niveau atteint par l'élève il peut intégrer les orchestres du conservatoire: petite harmonie à partir de C1/3 grande harmonie à partir de C2/2 ou participer ponctuellement à des petits ensembles.

L'éveil musical

A mi-chemin entre les départements des arts traditionnels et classiques, la classe d’éveil musical s’adresse aux enfants scolarisés en CP dans le primaire, et qui souhaitent débuter des études musicales.

Durant cette année d’éveil, les enfants découvriront l’ensemble des instruments proposés au conservatoire.

En allant à la rencontre de chacun des professeurs, les enfants seront à même de « choisir » l’instrument de musique qu’ils voudront pratiquer.

L’atelier d’éveil placera rapidement l’enfant en situation de musicien. Les jeunes élèves y apprendront à jouer divers rythmes, à l’aide d’instruments appropriés. Ils auront également la possibilité de jouer avec l’orchestre de percussions traditionnelles du conservatoire.

La notion d‘écoute, au sens large du terme, sera un fil conducteur tout au long de cette première année. Cette écoute passera notamment par la lecture de contes, accompagnés par différents paysages sonores.

La classe d’éveil musical n’est en rien une classe préparatoire à la première année de formation musicale : aucune notion « solfégique » n’y est d’ailleurs abordée.

Dans le même esprit, les enfants ne seront pas évalués dans le cadre de cette année.

Les séances hebdomadaires sont d’une durée de 45 minutes par groupe de 15 enfants environ.

L'éveil musical

Présentation

La formation musicale est à la musique ce que la grammaire et le vocabulaire sont pour l'apprentissage de n'importe quelle langue. Elément indispensable à la compréhension de la lecture musicale, elle est incontournable à l'apprentissage et à la pratique approfondie d'un instrument.

Son utilité est telle qu'elle est obligatoire jusqu'au cycle 3.

On y enseigne tous les éléments nécessaires à la connaissance de la musique :

  • lecture de notes (clé de Sol, de Fa, d'Ut);
  • lecture de rythmes (binaire, ternaire);
  • chant;
  • formation auditive (dictées 1 voix, 2 voix, de rythmes, d'accords);
  • Théorie* et analyse musicale**.

La formation musicale développera chez l'enfant :

  • culture de l'attention;
  • précision;
  • développement de la mémoire;
  • culture du goût.

Contenu des cours

Cycle 1

  • lecture de notes en clé de Sol et de Fa;
  • lecture rythmique binaire et ternaire;
  • travail de la justesse de la voix avec accompagnement pianistique;
  • dictée mélodique et rythmique simple;
  • théorie.

Cycle 2

  • approfondissement des acquis du 1er cycle + apprentissage de 2 nouvelles clés, sur des textes du répertoire;
  • lecture rythmique, ensembles rythmiques, mesures asymétriques, sur des textes musicaux;
  • chants extraits d'oeuvres vocales ou instrumentales empruntés aux grands Maîtres, du Moyen-âge aux contemporains, en passant par les classiques et les romantiques, toujours accompagnés au clavier;
  • dictée mélodique à 2 voix + introduction vers la fin du cycle de dictées d'accords;
  • analyse de textes musicaux simples (accords, cadences...).

Cycle 3

  • maîtrise du cycle 2 et rajout de 3 clés supplémentaires en lecture de notes;
  • en rythme, les équivalences rythmiques et étude des signes et graphiques pour une approche de la musique contemporaine;
  • préparation au langage non tonal en chant;
  • approfondissement des dictées mélodiques et rythmiques, dictée à parties manquantes sur des oeuvres pianistiques ou instrumentales;
  • théorie musicale approfondie, transposition.

Conseil pratique :

Plus l'entraînement est fréquent, meilleurs et plus rapides sont les résultats, d'où la nécessité d'une pratique régulière à la maison. Ainsi un travail quotidien de 15 à 20 minutes sera préférable à une séance de 1 heure épisodiquement.

Nota :
*La théorie est l'étude des signes d'écriture musicaux et des lois qui coordonnent ces signes.
** L’analyse musicale servira à la compréhension des oeuvres et à l'écoute intérieure.

Le chant lyrique

Présentation

Les musiciens ont leur instrument, le chanteur a sa voix.

Mais on ne pense pas toujours que la voix est l’expression du « soi » total : corps et mental, avec leurs émotions. La voix est toujours le reflet de ce que l’on est et de ce que l’on ressent au moment où elle est sollicitée.

C’est donc un instrument sensible et fragile, qu’on ne maîtrise qu’au prix d’une technique parfaitement acquise et un investissement de soi qui va bien au delà de la seule présence aux cours.

La posturale

  • Travail de la respiration et du placement des sons;
  • Travail de mélodies sans parole et d’exercices de phrasé pour développer un début de musicalité.
  • Travail de vocalises élaborées;
  • Développement du chant et accès au cours de déclamation lyrique;
  • Renforcement de la pose de la voix par des mélodies;
  • Travail d’interprétation par des chants à difficultés progréssives;
  • Travail d’un répertoire par rapport au physique, à la personnalité et au caractère vocal;
  • En fin de cycle, enseignement plus personnalisé par un dialogue avec l’élève.

 

  • Maîtrise des deux premiers cycles avec introduction d’effets vocaux et plus d’interprétation;
  • Travail de souplesse de la voix;
  • Approche de nombreux ouvrages du répertoire lyrique correspondant à la qualification vocale et à sa maturité;
  • Intégration de duos, trios et ensembles;
  • Maîtrise des techniques vocales (même si plusieurs années supplémentaire de chant sont nécessaires à l’obtention d’une ampleur et d’une solidité vocale pour aborder les grands rôles.)
  • Etudes d’ouvres de tous genres.


Ce cycle peut être une fin pour les élèves ne se destinant pas à l’opéra.
La maîtrise acquise leur permettra d’aborder une activité conforme à leurs ambitions.

Enseignement plus général

Les automatismes de la technique du chant seront maîtrisés (pose, respiration, musicalité..);

  • Travail d’un répertoire vocal élargi;
  • Travail de rôles.

Remarques

Les cours de chant sont destinés principalement à la technique, l’interprétation et tout ce qui touche au métier de chanteur. Il est aisé de comprendre que le travail hors cours constitue la partie la plus importante du développement vocal.

Conseils pratiques

Puisqu’il est admis que la fortification de la voix revient à l’élève lui-même, par un travail personnel hors cours, on admettra, de même, que sans cela, tout espoir d’aborder ce métier, serait vain. Les airs choisis doivent être appris hors cours, afin que le professeur puisse utiliser pleinement le temps imparti à l’élève pour son perfectionnement.

Il est vivement recommandé de procéder à un échauffement de la voix avant de se livrer à un travail vocal consistant.

Temps de travail personnel :

Cycle 1 : de 2 x 20’ par jour ;
Cycle 2 : de 2 x 30’ par jour à 2 x 40’;
Cycle 3 : 2 x 60’ par jour;
Cycle 4 : 2 heures par jour.

Le chant lyrique

L’atelier chœur d’enfants est ouvert aux enfants qui souhaitent recevoir une pratique vocale adaptée à leurs possibilités vocales.

Destiné aux enfants de 8 à 12 ans, il compte pour l’instant 29 enfants. Sans sélection, il est ouvert à tous (y compris les élèves hors cursus conservatoire). Il n’y a pas de sélection, partant du principe qu’aucun enfant ne chante faux et qu’il lui faut simplement du temps pour construire sa voix et son chant, mais nous demandons moti¬vation, assiduité et rigueur.

Le chant est prétexte d'une éducation globale : écoute, concentration, respect, maîtrise de soi, communication et partage.
Le chœur est un espace collectif où se mêlent des timbres et des personnalités différentes qui vont se découvrir par le biais de jeux de communication avant de chanter. En développant ainsi son  écoute, sa confiance en lui et l’échange avec ses camarades, l’enfant sera de mieux en mieux capable d’évoluer au sein du groupe.

Le chant favorise la concentration, le travail de la mémoire, l’écoute… autant de qualités qui garantissent une scolarité plus épanouie.
Avec le chant, les enfants peuvent aussi découvrir une méthode de travail, une attitude face à l’effort aussi bien individuel que collectif.

Cet Atelier offre aux enfants l’occasion de participer à la vie musicale de la ville, du Conservatoire en leur permettant de se produire régulièrement devant un public : Audition, Concert des Ensembles, ou encore à To’ata à l’occasion de l’ouverture du Heiva.

L’année prochaine, ils retrouveront l’ensemble du département classique autour de l’opéra pour enfants « Le Petit Poucet » d’Isabelle Aboulker, dirigé par Frédéric Rossoni pour le rendez-vous annuel des ensembles du Conservatoire…

Ages et horaires

Dès la rentrée prochaine un nouvel atelier sera ouvert pour les 6/7 ans (CP/CE1)

Horaire des répétitions

8-12ans     13h – 14h15     Le Mercredi
6-7 ans     14h15- 15h00   Le Mercredi

Les professeurs

Sebastien Vignals

Sebastien Vignals

Professeur de tuba et d'ateliers de musiques actuelles et chef de la petite harmonie
Jérôme Descamps

Jérôme Descamps

Professeur de trombone et d'éveil musical
Stéphane Rossoni

Stéphane Rossoni

Professeur de batterie
Isabelle DEBEILLEX

Isabelle DEBEILLEX

Professeur de piano
Vaianu WALKER

Vaianu WALKER

Professeur de flûte
Fabrice CIMA

Fabrice CIMA

Professeur de saxophone et de flûte
Léa LE BOZEC PICQ

Léa LE BOZEC PICQ

Professeur de clarinette
Sandrine GICQUEL

Sandrine GICQUEL

Professeur de formation musicale
Marianne MAYER

Marianne MAYER

Professeur de formation musicale
Samuel MAGOTT

Samuel MAGOTT

Professeur de piano
Didier Michaud

Didier Michaud

Professeur de guitare
Anne LECHARD

Anne LECHARD

Professeur de piano
Simon PILLARD

Simon PILLARD

Professeur de violoncelle et chef de l'orchestre symphonique
Dothy Colombari

Dothy Colombari

Professeur de piano
Guillaume DOR

Guillaume DOR

Responsable pédagogique et professeur de trompette
Christine GOYARD

Christine GOYARD

Professeur de flûte traversière
Colin Raoulx

Colin Raoulx

Professeur de saxophone et chef de la grande harmonie
Frédéric Rossoni

Frédéric Rossoni

Professeur de Jazz et chef du Big Band
Stéphane Lecoutre

Stéphane Lecoutre

Chef de la chorale enfants, professeurs de piano et d'éveil musical
David Bonnaventure

David Bonnaventure

Responsable du département des cordes et Professeur de violon